Хочу сегодня поразгонять на тему того, как сейчас Голливуд ищет новый доминирующий жанр, на котором можно массово зарабатывать деньги при невысоком риске.
То есть как это устроено — каждую эпоху было какое-то основное направление, которое было локомотивом бизнеса — оно притягивал людей в кино, собирало кассу (и за счет этого в том числе у студий были деньги на эксперименты)
Небольшая хронология: - В 80-ых это были семейная фантастика или приключения (Инопланетянин, Охотники за привидениями, Назад в будущее, Звёздные войны, Индиана Джонс) - В 90-ых — была миграция в драму (Титаник, Форрест Гамп, Шестое чувство) + ренессанс Диснея (Король Лев, Аладдин, Красавица и Чудовище) - В 00-ых — блокбастерные франшизы (Гарри Поттер, Властелин Колец, Пираты Карибского моря) - В 10-ых — кинокомиксы (Marvel/DC).
А вот сейчас (июнь 2026) — нет такого понятного жанра. Есть китайский феномен типа Нэчжа — но глобальным трендом вряд ли станет. Продолжает себя хорошо чувствовать анимация – но это продолжение усилий 00-ых.
Моя ставка — что новым трендом будет так называемое inspiring and uplifting movie — доброе, теплое, милое кино без острых углов. Такая теплая вода, без экшена, драмы и конфликтов. Посидел, похрустел и вышел с хорошим настроением.
Достаточно посмотреть на топ 2026 года — все фильмы, перевалившие 500 млн — именно такие
Особенно характерно мне кажется это на примере «Дьявол носит Прада 2» — абсолютно беззлобно по сравнению с первой частью). И Майкла — где все ожидали «Переступить черту» про Джонни Кэша (ну или хотя бы «Рокетмена»). А получили в лучшем случае Зверопой и плейлист клипов. Ну и тоже самое с «Проект Конец света» и «Супер Марио» — кино-обнимашки сейчас явно на коне.
Причины просты — времена нынче тяжелые. Такое в кино уже было, в Великую Депрессию — именно тогда и появились массово мюзиклы и хэппиенды.
Сегодня первому «Шреку» исполняется 25 лет (!). Четверть века прошла, а мультик до сих пор не выглядит устаревшим — ни по духу, ни визуально (ну, почти).
Собственно, сегодня хочу рассказать про то, как он родился из личной мести основателя студии Dreamworks, ну и про пару забавных фактов.
С чего всё началось
В 1994 году, из Disney уволили Джеффри Катценберга — главу анимационной студии Disney. Джеффри сумел вытащить Дисней обратно на вершину после провальных 70-ых — при нём были созданы «Русалочка», «Красавица и Чудовище», «Алладин» и «Король Лев». Есть даже специальный термин для этого периода — ренессанс «Диснея».
Всей корпорацией Walt Disney Company тогда управлял Майкл Эйснер, а операционным директором (и руководителем Джеффри) был Фрэнк Уэллс. В 1994 Фрэнк трагически погибает при крушении вертолета — и Катценберг начинает яро требовать повышения на освободившееся место (по его словам, такие были изначальные договоренности между Катценбергом и Эйснером).
Майкл Эйснер, Фрэнк Уэллс и Джеффри Катценберг
Но в итоге, они не договариваются, взаимодействие обострилось, и Эйснер увольняет Катценберга из Disney — после 10 лет и кучи заслуг.
Увольнение прошло тяжело, с публичным конфликтом и судами (Катценберг даже отсудил около 250 млн долларов как недополученные бонусы из-за увольнения).
Катценберг и Эйснер
Создание Шрека
На обломках своей карьеры в Disney, в 1994 Катценберг основывает DreamWorks — вместе с Дэвидом Геффеном (известным музыкальным продюсером) и Стивеном Спилбергом (известным понятно кем).
В производство запускаются мультфильмы вроде «Принца Египта» и «Муравья Антца» и начинается активная конкуренция с Disney. Ну и почти сразу, начинается создание «Шрека». Формально, это экранизация детской сказки, права на которую купил Стивен Спилберг еще в 1991 году.
И «Шрек» стал, по сути, личным высказыванием Джеффри Катценберга и средним пальцем всему Диснею — анти-диснеевским и анти-корпоративным.
Весь город Дюлок — карикатура на Дисней и с его тематическими парками и бездушной коммерциализацией:
Ну а Лорд Фаркуад — карлик-тиран с комплексом величия, живущий в стерильном замке-коробке и одержимый идеей «настоящего» королевства — был задуман как карикатура на Эйснера (особенно учитывая, что Farquaad очень созвучно с Fuckwad, то есть придурок / мудак)
1/2
Но важный момент, почему Шрек получился великолепным мультфильмом — создатели не протсо хотели «щелкнуть по носу» другую студию. Смысл мультика в том, что он бросает вызов нормам сказок — ведь огр обычно злодей, который похищает принцессу, но в Шреке он тот, кто её спасает и женится на ней, будучи героем.
И являясь полной инверсией «Красавицы и Чудовища», мультик доносит классическую мораль (что внутренняя красота важнее внешней), но гораздо более правдивым и не-лицемерным способом (в отличие от Диснея, с их прекрасными и идеальными принцами и принцессами).
Ну и собственно пара деталей и наблюдений про сам мультик
Один из самых мемных моментов «Шрека» — начальная сцена и открытие двери туалета под «Somebody once told me».
На двери туалета — полумесяц и я всегда думал, что это отсылка к лого Dreamworks
Но одна из забавных теорий — что раньше солнце и луна (полумесяц) были распространенной формой маркировки туалетов (с точки зрения пола).
Солнце — мужской, луна (или полумесяц) — женский. И тогда получается забавно, что у Шрека стоит женский туалет (видимо, утащенный откуда-то из деревни на болото)
Медведи из «Златовласки»
Грустная линия с медведями — в начале фильма мелькают три медведя из «Златовласки», на ярмарке по продаже.
Но потом, когда их показывают снова, на болотах, отец держит плачущего медвежонка, а мамы нигде нет.
Ну а дальше нам покажут комнату Фаркуада — и там на полу шкура из медвежьей шкуры, с характерным женским бантом на голове.
«Я здесь до четверга, попробуйте телятину»
Когда Шрек побеждает на турнире, он зачем-то говорит про «попробуйте телятину».
«Try the veal» — «попробуйте телятину»
Это отсылка к шутке, которая довольно популярна в западной культуре (а у нас не особо известна) В эпоху старых ночных клубов, стендап-комики зарабатывали не на входных билетах, а на продажах еды и напитков в ресторанах. И комики на сцене буквально рекомендовали заказывать блюда (обычно что-нибудь подороже — например, телятину). Это было настолько очевидным и нелепым моментом выступления, что довольно скоро стало ироничной шуткой в стендап-сообществе. Собственно, поэтому Шрек к ней и отсылается — как очередное смешение современного юмора и классическо-сказочного контекста.
Спасение задницы
Спасая Фиону, Шрек говорит «I need to save my ass» — и я сначала подумал, что тут довольно простой иронический момент, мол горе-рыцарь Шрек в первую очередь думает о своей заднице, а не о принцессе.
А оказывается тут забавная двусмысленность, ведь слово «Ass» можно перевести и как задницу, и как осла! Собственно, изначально, в английском языке осел и назывался ass, а коннотация ругательства появилась позже (и теперь ослов зовут jackass, чтобы разделять).
Но любому англоязычному зрителю понятна шутка — тем более, что после этой фразы Шрек побежал спасать Осла.
Теория про Осла
Осёл в мультфильме странный персонаж, если подумать — ведь он единственный не является персонажем какой-либо другой сказки, и у него нет никакой предыстории (кроме лорда Фаркуада, но там мы уже выше обсудили, почему)
Есть теория, которая объясняет это так: Осёл — один из мальчиков, превращённых в ослов на Острове Радости из «Пиноккио». Поэтому у него и нет сказочной биографии — он сам её не помнит. А его антропоморфные повадки — это как раз остатки той жизни, которая была до болота.
Триумф на Оскаре
В 2001 году Американская киноакадемия впервые вручала «Оскар» в категории «Лучший анимационный фильм».
Первыми номинантами стали «Шрек», «Корпорация монстров» и «Джимми Нейтрон». Победил «Шрек» — и стал первым анимационным фильмом с «Оскаром» в этой категории.
На награждении даже добавили мультяшных Шрека и Осла среди гостей
В целом, если подумать, Катценберг всё-таки получил своё (стал главой очень влиятельной и титулованной студии). Просто другим способом — не через Disney, а вопреки ему.
Есть известный троп о том, что Том Круз всегда в своих фильмах круто бежит, а Брэд Питт — смачно ест.
Ну и действительно, в большинстве своих фильмов, один часто бегает, а другой — ест)
И сегодня я хочу рассказать про такие же «визитные карточки» других актеров.
Контекст
Тут хочется отделить фишки актеров от их природной физиологии. То есть, изогнутая и поднятая бровь Скалы Джонсона, то, как Киану Ривиз или Оуэн Уислон говорят «Wow», постоянный сарказм и ирония Стэтхема — это все скорее просто черты их личности и привычек, то, что они и в жизни делают.
Дисклеймер — разумеется, тут просто мои собственные наблюдения и в большинстве случаев — это скорее совпадения. Пост служит для того, чтобы развлечь, на научную статью с академической аргументацией я не претендую)
Итак, к примерам!
Том Хэнкс писает
Начинаю с моего любимого паттерна, про который почему-то не так часто пишут. Зачем-то в целой куче фильмов с Томом Хэнксом, большое внимание уделено тому, как он по-маленькому ходит в туалет!
Он упоительно писает в «Форрест Гампе» и «Зеленой Миле»
1/2
В «Их Собственной лиге»:
В «Долговой яме» герой писает среди березок:
В «Изгое» во время крушения, Хенкс, разумеется, был в туалете
Ну а в «Аполлон 13», он вообще писает "во вселенную"
Возможно, так Хэнкс подчеркивает свое амплуа, простого и дружелюбного парня, который готов выглядеть безобидно и неловко — а что как не частые походы в туалет это подчеркивают.
Харрисон Форд всегда тыкает пальцами
Скорее всего тоже лезет из привычек самого актера — но довольно ярко смотрится на экране. Практически во всех фильмах Харрисон Форд эмоционально тыкает пальцем в собеседника.
1/7
Над этими даже издевались в выпуске вечернего шоу Конана:
Ну и даже в компьютерной игре Indiana Jones and Great Circle, цифровой двойник Форда почти в первой же сцене тыкает пальцем :)
Ди Каприо поднимает бокал
Это довольно популярный троп, но всё равно — часто в кадре Лео поднимает бокал с алкоголем.
1/5
Связано в ролями — был период когда Дикаприо играл персонажей-богатеев из прошлого («Гэтсби» / «Волк с Уолл Стрит» / «Джанго»).
Богатство = вечеринки = алкоголь = бокалы. Бокалы + Ди Каприо в главной роли = поднимание бокала как тост.
Мела Гибсона пытают
Вот тут менее известный факт — но в 90-ых была куча фильмов, где Мела Гибсона держат связанным и мучают его.
Это по сути все его хиты — «Смертельное оружие», «Расплата», «Храброе сердце».
1/3
Объяснение тут кроется в амплуа — Гибсон обычно играет брутальных мужиков, которые проходят через сильные страдания и трагедии. Пытки и насилие — один из способов ярко показать, как мучается герой Гибсона
С натяжкой, можно сказать что и сцена из «Чего хотят женщины» — тоже в копилку тех, где Гибсона пытают)
Собственно, на этим также смеялись в Южном Парке
Джон Кьюсак и дождь
Странная особенность ролей была у Джона Кьюсака — его герой в 80-ых и 90-ых годах чуть ли не в каждом втором фильме мокнул грустный под дождем
1/5
Это и «Быть Джоном Малковичем», и «Идентификация», и «Скажи что-нибудь», и «Верняк».
Натали Портман плачет
В 13 лет, в «Леоне», Портман всех поразила своей эмоциональностью и искренностью.
Особенно ей хорошо удавались сцены с плачем, которые выходили супер натурально
Ну и дальше Натали начала пользоваться своим козырем почти в каждой своей драматической роли — она очень часто рыдает на экране.
1/8
Причем действительно, почти буквально в каждой своей роли. По-моему, только в «Торе» у Портман не было сцен со слезами.
Сэм Рокуэлл и танцы
Лично я нежно люблю Рокуэлла еще со времен «Луны 2112» и «Семи Психопатов» (а впервые увидел его в «Зеленой миле»). Так вот, помимо довольно необычной харизмы и экспрессии, Сэм почти в каждом фильме ... танцует!
Вот тут ссылка на видео с более полной компиляцией таких моментов. А еще у него есть прекрасный момент из «Великолепной аферы», где его танцы пытается остановить Николас Кейдж.
Жить надо прожить так, чтобы твой эксцентризм смущал даже Николаса Кейджа :)
Я не нашел каких-то связей, почему Сэм так любит музыкально двигаться — видимо просто черта характера.
Почти буквально каждое его появление в вечерних шоу начинается с характерных движений с быстрым переступанием ногами
В общем, если Рокуэлл на экране — жди танца.
Кто умирает чаще на экране?
Ну и на закуску — давайте разберем популярный троп про количество смертей на экране.
Конечно, самый популярный и мемный ответ — что это Шон Бин. Он умирал во всех своих культовых работах — «Властелине Колец», «Игре Престолов», «Золотом Глазе» и «Эквилибриуме», причем обычно это было посередине истории и было важным сюжетным драйвером.
Я так и начал писать этот пункт, держа в голове Шона Бина, но решил на всякий случай перепроверить, соотносится ли это со статистикой. Оказалось — совсем нет!
Нюанс — очевидно, в мире нет единого источника / достоверного списка смертей на экране. Каждое медиа само ведет статистику, поэтому таки списков довольно много.
Но там обычно есть два финалиста — это или Дэнни Трэхо, или Кристофер Ли.
Трехо берет кучностью (он встречает смерть почти в каждом 4-ом своем фильме), а Ли — долголетием (за 60-летнюю карьеру он снялся более чем 300 фильмах и порядочное число раз умер)
Один из таких рейтингов
Из актрис я чаще других помню смерть на экране Мишель Родригес (мне кажется я вообще не знаю ни один фильм/сериал, в котором бы она выживала)
Я предлагаю тут не спорить и зафиналить, что смерть на экране это «визитная» карточка всех четверых сразу)
Обожаю всю трилогию «Друзей Оушена». И сегодня хочу рассказать о том, о чём незаслуженно мало вспоминают — о том, какая же там изобретательная операторская работа и крутецкий визуал с монтажом.
Немного про контекст про создателя
Всю трилогию снял Стивен Содерберг. Важная деталь про Содергберга — в 90-ых он был одним из самых крутых и востребованных авторских режиссеров в США — наряду с Джармушом, братьями Коэн, Дэвидом Линчом и Тарантино.
Еще в 1989 году он выиграл Золотую Пальмовую Ветвь в Каннах со своим фильмом «Ложь, секс и видео». А за год до «Оушенов» он завоевал режиссерский Оскар с «Траффиком».
1/2
Стивен с наградами
И после тяжелых драм («Траффик» и «Эрин Брокович»), Содерберг решает снять более лёгкое и игривое кино.
То есть давайте подрезюмирую: один из самых одаренных и титулованных режиссеров Америки, будучи на пике формы и славы подходит к съемкам супер развлекательного кино, на которое у него полный карт-бланш от продюсера Джерри Вайнтрауба.
Внезапный факт — сам Стивен Содерберг и был оператором трилогии! Это довольно редкий факт, чтобы режиссер совмещал две эти роли при съемка (я навскидку помню только Альфонсо Куарона, который одновременно и режиссировал, и снимал Рому).
И тут Стивен развернулся просто во весь свой арсенал — кажется в фильме есть буквально все операторские приемы, которыми можно было поиграться.
Собственно про это и хочу рассказать — как много визуального изюма заложил Содерберг. Разбирать буду на примере первых «Одиннадцати друзей Оушена»
Примеры и приемы
Если присмотреться, то монтажные и визуальные фишки Содерберг не просто раскидал по всему фильму — в основном они встречаются в первой половине. Их задача — добавить драйва и ритма в такие стандартные «скучные» вещи для фильмов-ограблений как знакомство с персонажами, слежка, подготовка и наблюдения.
Тут тебе и неожиданные склейки типа матч катов и сплит скринов:
При этом, если задуматься — фильм довольно дурацкий с точки зрения сюжетной линии и кучи дыр в нем. Самая моя ненавистная — это то, что в хранилище не могли оказаться мешки с рекламой проституток (которые потом должны были вынести охранники Бенедикта как выкуп). Ну или совсем фантастические элементы вроде генератора, вырубающего всю электроэнергию во всем Вегасе.
Но фильм вытягивает на очень высокий уровень две вещи — химия между персонажами (тут спасибо всему ансамблю) и визуальное + монтажное мастерство Содерберга.
Повторюсь — фильм потрясающий, Стивен Содерберг — глыба.
Чем мне нравится «Большой Лебовски» — каждый раз когда пересматриваю, подмечаю новые детали и отсылки ) Решил подсобрать небольшой пост из того, что недавно подметил.
1. Почему фильм так называется?
Как обычно, не могу пройти мимо названия :) Ведь тут, как и в случае с «Островом собак» есть интересность! Big Lebowski — это переиначивание названия «Глубокий сон» («Big Sleep») – культового детектива Реймонда Чандлера (и фильма Говарда Хоукса с Хамфри Богартом в главной роли).
C точки зрения центральной сюжетной линии, Лебовски — это детективный нуар. И основные черты он берет как раз у «Глубокого сна» — Лос Анджелес, старый богач, нанимающий главного героя, своенравная молодая девушка, помешанная на сексе, порнография, шантаж, и очень путанный сюжет с кучей ярких эпизодических экспрессивных героев.
Даже в самом фильме есть мета-отсылка на Чандлера – когда Лебовски ловит горе-частного детектива (очередная издевка над жанром), он сначала представляется как шамус.
Шамус — это сленговое обозначение частного детектива. Которое как раз стало известным после «Глубокого сна», где так представлялся Филип Марлоу, герой Хамфри Богарта
Shamus — это искажённое произношение ирландского имени Seamus, а в начале XX века в полиции и частных сыщиках США было очень много ирландцев
2. Почему Чувак заказывает Caucasian?
Напомню — Чувак в «Большом Лебовски» пьет исключительно свой любимый коктейль, белый русский.
И тут обратил внимание, что он несколько раз называет напиток словом Caucasian.
Честно — я сначала вообще не понял, при чем тут Кавказ.
А оказалось, термин Caucasian в переводе с английского означает европеоида (расу с белой кожей, в отличие от монголоидов и негроидов).
То есть, Чувак говорит что-то вроде «дай еще одного белокожего, плз».
3. Lebowski challenge
Кстати, если сразу о белом русском.
Есть такая игра, называется Lebowski Challenge — смысл в том, что каждый раз, когда Чувак пьет белого русского на экране – нужно выпивать его вместе с ним.
Я как-то раз проходил его с друзьями («Большой Лебовски» – один из моих любимых фильмов, белый русский – один из моих любимых коктейлей, дело за малым, вызов, как говорится, принят). Иииии, я вам так скажу, дело это сложное и муторное.
Специально распишу таймкоды употребления белого русского:
20:47 — когда к нему приходит Марти за квартплатой и приглашает на свое представление.
46:36 — во время знакомства с Мод, дочерью Лебовски.
48:05 — в такси, уезжая от Мод. Тут возможны споры — теоретически, это может быть недопитый коктейль из предыдущего пункта.
57:52 — в баре в боулинге, сидя вместе с Донни и Уолтером.
59:41 — там же, когда Донни с Уолтером ушли и подсел Рассказчик.
1:04:25 — опять у Мод, сделал коктейль, но ни разу не отхлебнул в кадре (у нас были споры, считается или нет, основной аргумент был, что Чувак вряд ли оставил бы его нетронутым).
1:16:20 — у Джеки Трихорна.
1:19:05 — второй коктейль от Джеки Трихорна (в котором было снотворное).
1:29:47 — дома, после ночи с Мод.
Итого 9 коктейлей (даже если не считать кофейный ликер, это 450 мл водки, ух).
Пейте с умом!
Кстати, большинство одежды Чувака — это личные вещи Джеффа Бриджеса. Джефф вообще любит играть в своей одежде, особенно он любит свою футболку с бейсболистом — в ней он появлялся аж в трёх своих разных фильмах.
«Холодные ноги» (1989), «Король-рыбак» (1991) и «Большой Лебовски» (1998).
4. Почему Донни говорит «Я морж»?
В одном моменте Доннни начинает повторять «Я морж» посреди беседы.
Я сначала думал, что это некий прикол, мол он настолько незаметен, что начинает говорить абсурдные вещи и никто не реагирует.
Но на самом деле, это внезапная отсылка на Beatles!
Там сначала Чувак упоминает Ленина как автора цитаты «Ищи, кому выгодно», а потом пытается вспомнить другую его цитату
Донни сдумает, что тот про Джона Леннона и начинает подсказывать ему «I am walrus»/«Я морж» (ссылаясь на знаменитую песню битлов, которая авторства Леннона)
Песня, кстати, содержит просто набор слов и является стебом самого Леннона над фанатами, которые тогда искали глубинный смысл в его песнях.
5. Интересное про Уолтера
Его фамилия Собчак (кстати, это польская фамилия, как и у Лебовски)
Он владеет своим охранным агентством (мы видим это когда его забирает Чувак на машине)
3. Его списали с Джона Миллиуса.
Джон Миллиус был режиссером «Конана-Варвара», сценаристом «Апокалипсиса Сегодня» и «Грязного Гарри». А еще — громкогласным милитаристом, фанатом оружия и ярым антикоммунистом. Тучным, с бородой и в очках. В общем — копией Уолтера.
И в этом определенно есть ирония — что главный кино-хиппи 90-ых дружит с олицетворением кино-милитаризма 80-ых.
А Иисус – единственный персонаж, с которым Уолтер открыто не конфликтовал (возможно это отсылка на его аккуратность с религиозными темами).
И она начинается со страйка, потом идет 2-х минутный разговор Чувака с Рассказчиком, потом финальный монолог Рассказчика и в конце — снова страйк! И снята она единым дублем!
А страйки выбивал профессиональный игрок в боулинг, Барри Ашер.
«Американский Психопат» — отличное кино, подарившее нам кучу мемов с Кристианом Бейлом
А еще — культовую сцену с визитками (которую миллион раз монтировали / обыгрывали и переделывали)
Напомню контекст — 4 вица-президента компании по очереди показывают свои визитки друг другу и за счет этого как будто пытаются расставить себя в иерархии (у кого самая крутая, модная и тд). В итоге все лучшей оказывается визитка Пола Аллена.
Все визитки похожи до одной — что подчеркивает абсурд ситуации.
Но давайте наберемся психопатического занудства и всерьез разберем все эти карточки с типографской точки зрения. Ведь отличия и нюансы тут действительно есть. Тут не все мысли мои — я много наблюдений по дизайну взял с сайта Hobancard (особенно насчет шрифтов)
Собственно, сама сцена (если вдруг кто забыл / не смотрел):
Всего мы разберем 4 визитки (и даже одну бонусную)
Забавный момент — буквально на всех визитках слова «Mergers and Acquisitions» («Слияния и поглощения») написано с ошибкой (Aquisitions вместо Acquisitions).
А еще в сцене все персонажи в одинаковых очках Oliver Peoples.
1/3
И все они вице-президенты, причем даже их контактные данные совпадают. Возможно, это отсылка к фильму «Уолл стрит», где Гордон Гекко рассказывал, что поглощает компанию, в которой 33 вице-президента, которые непонятно что делают:
1/4
И начинаем разбор первой визитки, Патрика Бейтмана
Согласно фильму, карточка Патрика напечатана на бумаге цвета «кости» и набрана вымышленным шрифтом под названием «Silian Rail». Фактически шрифт, по-видимому, является Garamond Classico SC.
Ключевые особенности:
пропущен пробел после & в Pierce & Pirece
имя и должность смещена влево вниз относительно центра
верхний отступ гораздо больше нижнего
Из достоинств:
шрифт выбран хороший (Garamond довольно известный и консервативный, в целом хорошо сочетается с финансовым сектором, где работает Бейтман)
отпечатано дорогим типографским способом (мы видим оттиск от букв)
Но в целом, визитка довольно неряшливая и несбалансированная — можно додумать, что Бейтману, который стремится во всем соответствовать по форме, но не понимая содержания, здесь был важен внешний вид (способ печати и шрифт), а не детали и суть (расположение текста и отсутствие опечаток).
Карточка Ван Паттена
Следующую карточку мы смотрим Дэвида Ван Паттена. Сходу видим, что опечатки с пробелом после & в «Pierce and Pierce» у него нет. Дэвид описывает свою карточку как «яичная скорлупа с шрифтом Romalian», но на самом деле это шрифт Bodoni.
Особенности:
Снизу отступ сильно больше, чем сверху (та же проблема, что у Бейтмана, но наоборот — мне кажется поэтому нам их показывают вместе в одном кадре)
Отступы от краев слева и справа — не совпадают в верхней части и в нижней
По горизонтальной оси текст выровнен корректно (в отличие от Бейтмана)
Нет оттиска (как у Бейтмана), но Ван Паттен скрывает это рельефной бумагой.
Шрифт более модный для конца 80-ых (например, использовался для заголовков Vogue)
Карточка лучше бейтмановской в деталях, более модная, но чуть дешевле сделана (нет оттиска).
Карточка Брайса
Третьей идет карточка Тимоти Брайса. Он представляет ее словами «рельефные буквы, бледно-белый нимб».
Особенности
Шрифт — вечная Helvetica
Такая же проблема, как у Бейтмана, сверху слишком большой отсуп (и несбалансированный порбел между центральной и нижней строкой)
Тоже используется рельефная бумага, а вот буквы — точно не рельефные (мы видим отсутствие оттиска на задней стороне, когда он вынимает визитку)
Вывод — самый удачный выбор шрифта, хорошо «состарившаяся» визитка, но лишенная какой-то выразительности (слишком скучная для 80-ых).
Ну и наконец карточка Пола Аллена
Итак, особенности:
Бейтман говорит, что там есть водяные знаки, но никаких следов этого нет (да и вообще это крайне нереалистично для такой толстой бумаги)
Сама бумага гладкая, похожая на бумагу Патрика, но более белая
Сбалансированное расположение текстов (отступы совпадают, нет разрывов, удачная идея разбить нижнюю строку на две)
Напечатано с оттиском, также как у Бейтмана
Шрифт — Copperplate Gothic (который, кстати, также используется в титрах фильма).
Видим оттиск от букв на задней стороне
В целом, визитка Пола Аллена действительно во всем лучше остальных карточек. В нем хороший шрифт, лучший баланс и самая качественная печать с оттиском.
Собственно, такая удачная визитка (а также то, что Аллену удалось получить столик в ресторане «Дорсиа» в пятницу вечером) является причиной, почему Бейтман решил убить Аллена — в его психопатичном мире для него это угроза и конкуренция.
(Бонус) Карточка Луиса
Помимо этой сцены, нам показывают еще карточку. Это яркая двухцветная визитка Луиса Каррутерса. Особенности:
печать зелеными чернилами и золотой фольгой
Единственная визитка, где сначала идет фамилия (почему-то заглавными буквами), а потом имя
центральная строка смещена влево и верхний отступ сильно больше нижнего
несогласованные отступы у текста справа вверху
В целом, его визитка — самая яркая и дорогая, но выполнена настолько некачественно, что выглядит просто нелепо и смешно.
Кстати, Луиса играет актер Мэтт Росс, который также известен за роль Гэвина Белсона из сериала «Силиконовая долина»
1/2
Заключение
Все, выключаем психопатическое внимание к деталям и включаем здравый смысл.
Самое абсурдное во всей это сцене — это то, что как раз визитки то у них должны быть одинаковыми (корпоративный стиль, единый формат и тд).
Но при этом сцена (да и весь фильм) отлично передают внутреннюю пустоту человека, застрявшего в корпоративном мире — где нет живого, у всех одни и те же прически, пластиковые реакции и даже визитки.
Обожаю моменты, когда Бейтман мгновенно переключается с «доброжелательного» общественного лица на холодный взгляд убийцы
Кстати, свою актерскую игру Бейл основывал на Томе Крузе — он увидел выпуск вечернего шоу Рози О'Доннел с Томом и заметил яркую энергичность с абсолютной холодной пустотой в глазах.
По сути, даже неважно, совершал Бейтман преступления или нет — мир, в котором можно начать ненавидеть человека за то, что у него лучше визитка — уже кажется достаточно безумным.
Даже если визитка Пола Аллена и правда лучше, как мы выяснили :)
Спасибо за прочтение! Мой телеграм-канал Одно Кино: t.me/odno_kino
Недавно пересматривал Остров Собак (жуть, уже 8 лет прошло!) — насколько же он шикарный! Все не было повода написать про него отдельный пост, а тут узнал, почему у него такое название — и повод появился! .
Мне нравится, что на обложку можно взять почти любой кадр из мультика
Расскажу про название, а также про пару интересных фактов, вроде отсылок к «Подозрительным лицам», японскому гравюру и американским детским сказкам
Про само название
"Я люблю собак"
Забавная теория (в которую я немного верю), почему у фильма такое название («Isle of Dogs») — потому что если быстро его произнести, то это читается как I love dogs («я люблю собак»)!
Реальное место
Но на самом деле, Isle of Dogs (aka “собачий остров”) — это реальный район Лондона. Важный факт — Уэс Андерсон делал «Остров» на студии 3 Mills Studio. Там же он снимал и свой предыдущий кукольный мультфильм, «Бесподобный мистер Фокс».
И, любопытный момент — от лондонского «Острова Собак» до студии 3 mills — всего 15 минут на машине!
Разгадка проста — да, действительно, Андерсон когда-то просто увидел знак во время дороги на студию (во время работы на «Фоксом»).
Он заинтересовался вывеской, начал фантазировать не тему названия, ну и завертелось...
Про этого рассказывал сам Уэс Андерсон на премьере фильма.
Про отличие isle от island
Вообще, меня лично в школе учили, что остров — это island. Откуда вообще появился Isle? «Остров Сокровищ» же это «Treasure Island», а не «Isle of Treasure», ведь так?)
В целом, так и есть — общепринятым и современным термином является island.
Но Isle — это более поэтическое и устаревшее название. Что-то похожее на «слобода» vs современный «район». За некоторыми островами оно закрепилось исторически, самый яркий пример — это остров Мэн (Isle of Man).
Кстати игра слов I love man / isle of man была еще в 19 века — сам Льюис Кэролл про это написал короткую юмореску.
Про японское в мультике
Фильм снят одновременно и на японском, и на английском. И на постере тоже все дублируется. Но при выходе фильма, в японо-язычной части интернета было небольшое возмущение — японские слова перепутали местами) На английское слово «ISLE» наложено на японский иероглиф «犬» (собака), а слово «DOGS» — на иероглиф «島» (остров).
Про другие японские имена в мультике
Главного злодея в фильме зовут мэр Кобаяши.
И многие считают это супер отсылкой к самому известному Кобаяши в истории кино — к Кобаяши из «Подозрительных лиц»
Безусловно, может и так, но вообще--то «Кобаяши» это одна и самых распространенных японских фамилий)
Про Тохо
Отсылка, которую бы одобрил Квентин Тарантино — в мультфильме упоминается гора Тохо.
Ну а Тохо — ведущая японская киностудия, ответственная за многие известные фильмы Акиры Куросавы (включая «Семь самураев» (1954) и «Телохранитель» (1961) ), а также за франшизу «Годзилла» (начавшуюся с «Годзилла» (1954) ) и множество других фильмов о гигантских монстрах и научно-фантастических токусацу (японские фильмы со спецэффектами).
1/2
Про Хокусая
В самом начале мультика появляется красивая картина, которая явно является отсылкой к великому гравюру 19 века, Кацусике Хокусаю
Его самую известную работу, «Большая волна у Канагавы», вы наверняка видели (собственно, кадр выше — это оммаж на неё).
А еще когда моют пса Шефа, то это делают в огромном баке от пива Hokusai — снова отсылка к тому же художнику.
Кстати, про помывку
То, как Шеф выглядил после мытья — это отсылка на детскую книжку, «Гарри, грязный пес».
1/3
Необычный окрас пса (белая шерсть с черными пятнами) — такая же как и у Гарри.
Про собак
При первом просмотре это не всегда заметно, но все пять главных собак — Чиф, Рекс, Кинг, Дюк и Босс — носят имена, которые означают что-то «лидерское».
Boss — босс, Rex и King — король, Duke — герцог, Chief — вождь/шеф.
Мне также очень понравился прием, при котором все люди говорят на японском, который не дублирован (не было и субтитров) — чтобы зритель чувствовал себя максимально непонятно и отчужденно, как собаки в фильме:
Кстати, фильм пестрит всякими каламбурами, вроде spokes-dog (вместо spoke-person) или underdog dogs (underdog — это что-то вроде неудачника/аутсайдера).
1/2
А собаки, обедающие на металлической балке, — это явная отсылка на знаменитую фотографию «Обед на вершине небоскреба».
1/2
Ну и в конце — давайте насладимся великой сценой суши
Помните, как в мультике «Крокодил Гена» (и в оригинальной повести Успенского) подружились лев Чандр и собака Тобик? Я в детстве думал, что это просто милый момент — а оказалось, это отсылка на реальную дружбу льва и собаки!
Хочу сегодня рассказать про этот случай, а также про пару отсылок в именах персонажей и (внезапно) связь Чебурашки с ДМБ.
Пост будет про оригинальную книжку и советский мультик (не про кинофильмы недавних лет).
Контекст в мультике
Если кто забыл: Крокодил Гена грустит от одиночества и начинает расклеивать объявления о поиске друзей. На объявления откликается куча народу — Чебурашка, девочка Галя, жирафа Анюта и так далее.
В том числе, приходят лев Чандр и дружелюбная собака Тобик — которые начинают дружить.
Так вот — этот эпизод явно вдохновлен случаем в Московском зоопарке.
Реальные Тобик и Чандр
Площадка молодняка
В 50-ых годах в московском зоопарке была экспериментальная программа — площадка молодняка, где содержались вместе детеныши разных пород (и хищники, и не-хищники). Площадка появилась благодаря инициативе Веры Чаплиной, которая была главным новатором Московского зоопарка того времени.
Вера Чаплина
Площадка молодняка
Там было много историй дружбы зверей из разных видов, но одна из самых популярных — как молодой лев Чандр подружился с обычной собакой Тобиком.
Чандр родился в августе 1949 г. в Рижском зоопарке и в раннем детстве его перевезли в Московский зоопарк, где его поместили в одну клетку с собакой Тобиком, к которому львенок очень привязался.
Вот фото Чандра с Тобиком в 1950-ом году
Фото из архива В.Чаплиной
А вот более поздний отрывок из хроники Московского зоопарка про наших героев (1961 год):
Что случилось дальше с друзьями — тут я фактов не смог найти, след теряется.
Кстати, у самой Веры Чаплиной была похожая история в 30-ых — но буквально у себя дома. Она забрала к себе в квартиру львенка Кинули (так как от неё отказалась мать-львица, а в зоопарке тогда не было условий для отдельного содержания детеныша льва). И в квартире Чаплиной львица очень привязалась к овчарке Пери, которая выступила для нее в роли матери.
1/2
Кинули и Пери
Площадка молодняка еще функционировала почти до конца 70-ых, но в дальнейшем от нее отказались — так как повзрослевшие животные с трудом интегрировались к сородичам и имели сложности с размножением.
Другие примеры про имена и просто интересные факты
Если вернуться к мультику и к именам других персонажей (ну чтобы два раза не вставать)
Старуха Шапокляк так названа потому что она носит шляпу шапоклялк (chapeau claque).
Это классический цилиндр, который можно сложить, для того, чтобы он занимал меньше места.
Причем по-английски этот убор называется opera hat (так как основное использование — прийти в красивом цилиндре в театр/оперу, и там егосложить, чтобы не загораживать вид остальным зрителям).
Кстати, Шапокляк носила его всегда в сложенном виде — возможно она только что из театра? :)
И в оригинальных иллюстрациях Валерия Алфеевского Шапокляк тоже ходит в сложенном шапокляке.
Кстати, вы можете заметить, что внешний вид Чебурашки в оригинальных иллюстрациях к повести 1966 года совсем другой — потому что привычный милый и плюшевый образ придумал Леонид Шварцман для мультфильма 1969 года.
Забавно, что при переводах на другие языки имя «Чебурашка» почти везде стараются как-то адаптировать (чтобы была связка со словами падать / перекатиться) — Toppler / Flop-Top в Великобритании, Kullerchen / Plumps в Германии, Drutten в Швеции и и так далее.
Немецкое издание 1988 года, Чебурашку зовут Plumps, то есть Плюх
Про мультик
Интересно, что режиссер Роман Качанов переиспользовал несколько образов из своих предыдущих работ. Например, характерный покупатель ( в черных штанах, белой рубашке и черной шапочке) впервые появился в другом мультике — «Потерянная внучка» (1966).
1/2
А Тобик очень похож на щенка-варежку из мультика «Варежка» (1967)
1/2
А девочка Галя из «Крокодила Гену» — на девочку из «Варежки»
Что в целом логично — мультики кукольные, поэтому это нормально, что фигурки использовались для нескольких мультфильмов.
Внезапная связь с ДМБ
А еще Роман Качанов, режиссер «Чебурашки» — отец Романа Качанова, режиссера ДМБ.
1/2
В ДМБ Качанов-младший еще сыграл каптёра Геру Либермана, того самого, который не видит суслика, который есть
Именно поэтому в одном из эпизодов ДМБ используется Чебурашка (которые ищет друзей), как своеобразная шутка по отношению к папе.
