Ни разу не музыкант. Ни слуха, ни голоса, ни музыкального образования. Нот не знаю, учился - где что увидел (в то время интернетов не было). Но как часто бывает - именно такие бездари, как я, любят делать то, что у них получается криво.Это видео, как и предыдущее в этой серии, архивное.
Этот большой биографический материал официально зафиксирован в июле 2026 года. В бурно меняющемся музыкальном мире со временем всё может повернуться иначе, многие детали могут стать неактуальными, но именно сейчас, оглядываясь назад, авторы проекта хотят запечатлеть подлинную историю создания коллектива во всех её красках и подробностях.
На сегодняшний день российская рок-группа «Артхауз» представляет собой уникальный, монолитный творческий дуэт двух музыкантов, которые умудряются создавать плотный, качающий звук, находясь на расстоянии сотен километров друг от друга. Лидером и фронтменом коллектива является Лев Долгих, родившийся в Чите 12 сентября 2007 года. Лев — это голос и поэтическое сердце проекта, он пишет абсолютно все тексты песен, генерирует стержневые идеи и задаёт группе ментальный ориентир. За музыкальную архитектуру, создание гитарных аранжировок и финальное сведение треков отвечает соло-гитарист Игорь Стрижак, родившийся в Новосибирске 16 апреля 2010 года. Жанр, в котором работают парни, определяется как честный, бескомпромиссный рок.
Предыстория этой музыкальной единицы уходит корнями в конец 2023 года. 22 декабря 2023 года произошла трагедия — ушёл из жизни Игорь Соколов, бессменный солист «Чёрного Квадрата», самого известного и авторитетного в России трибьюта группы «Кино». Буквально через три-четыре дня после этого его вдова выставила в соцсетях пост о том, что коллектив объявляет масштабный кастинг и ищет нового вокалиста. Лев Долгих проснулся утром, наткнулся на это объявление и ради шутки подумал: «А чё, просто по приколу напишу ей, вдруг повезёт». Организаторы ответили, попросили записать видео, рассказать о себе и продемонстрировать вокальные данные. На следующий день жена погибшего солиста написала Льву, что всё вообще круто, его голос классный, сильный и он их полностью устраивает. После этого наступило двухнедельное затишье.
В феврале 2024 года Льва официально вызвали на живое прослушивание в Москву, полностью оплатив ему билеты на самолёт туда и обратно. Поскольку Льву на тот момент было всего 16 лет, один в столицу он поехать не мог — мама просто не отпустила бы его одного в такой мегаполис, поэтому они полетели вместе. Они приехали в Москву на четыре дня. На третий день было назначено то самое решающее прослушивание, которое на поверку оказалось чистой воды нелепой клоунадой.
Вместо профессиональной студии молодых кандидатов привели в тесную, душную каморку размером четыре на четыре метра, где по звуку царил полный крах. Стояли две колонки, одна из которых вообще не работала, живые барабаны забивали всё пространство, бас дико резонировал от стен, а микрофоны яростно фонили при любой попытке запеть. Музыканты трибьюта пригласили своего соло-гитариста, который играл культовые партии Виктора Цоя и Юрия Каспаряна не по памяти, а подглядывая в обычную бумажную тетрадку. На прослушивании, помимо музыкантов, сидели вдова Соколова и куча каких-то левых, непонятных людей. Особый колорит атмосфере придавала некая посторонняя тётка, которая постоянно встревала в процесс и с пафосом твердила: «Мы не копируем, у нас нет цели полностью скопировать творчество группы Кино, мы не собираемся покупать трусы точно такие же, как у Цоя». А затем эта женщина и вовсе принялась прилюдно обсирать Льва, заявляя, что он слишком молодой и вообще кто он такой, чтобы стоять на этой сцене.
Осадок оставался максимально негативным. Но финальной точкой этого абсурда, после которой Лев принял твёрдое решение уйти, стали требования организаторов. Они требовали абсолютно идентичного звучания с погибшим Игорем Соколовым. Будучи человеком неглупым, Лев прекрасно понимал, что сделать два абсолютно идентичных человеческих голоса в природе невозможно, можно лишь петь в похожей манере. Развернувшись, Лев мысленно сказал им: «Нее, давайте-ка до свидания», забрал вещи и ушёл. Он вернулся домой в Читу с двойственным чувством: с одной стороны, слетал в Москву за чужой счёт и показал себя — это достижение, а с другой — получилась какая-то нелепая фигня. Лев отказался от идеи стать чужой копией, и этот опыт лишь укрепил его желание создавать собственный материал.
Вернувшись в Читу, Лев полностью погрузился в самостоятельное творчество. Ещё в 2022 году знакомые отдали ему первую гитару — палёный Fender Stratocaster. Позже, в течение 2022–2023 годов, Лев приобрёл электрогитару Jackson, а следом — Yamaha RGX 512J. Он безумно любил слушать музыку и сильно тянулся к этому делу, хотя в детстве даже не предполагал, что свяжет жизнь с гитарными грифами. В конце 2023 — начале 2024 года Лев начал в одиночку сочинять и записывать свои первые личные песни. Черновиков на этой палёной гитаре создавалось много: Лев позже вспоминал, что одна из первых его сольных песен — примерно четвёртая по счёту в его жизни — звучала уже более-менее адекватно по сравнению с первыми шагами, но всё равно была слишком сырой, чтобы как-то реализовывать её в будущем. Лев изначально не заморачивался над качеством этих домашних черновиков, которые в дальнейшем планировалось переписать много раз, ведь настроить гитару — дело двух минут, а вылизывать сырой сольный набросок на этапе обучения не имело смысла.
Прошло несколько месяцев, и осенью 2024 года в Новосибирске Игорь Стрижак параллельно планировал создать собственную рок-группу со своим одноклассником. Игорь ночами просиживал за компьютером, набрасывал первые гитарные партии, собирал структуру песен и записывал стартовые черновики. Когда материал был готов, он отправил записи однокласснику, надеясь на ответную искру, но тому присланная музыка вообще не зацепила. Одноклассник прямо сказал, что ему это не нравится.
На этом история могла закончиться, но в ноябре 2024 года Игорю в интернете внезапно написал Лев Долгих и скинул свои накопленные сольные демо-записи. Игорь поначалу отнёсся к демкам Льва скептически: слушал их нехотя, совместная работа с парнем из другого города вообще не входила в его планы, и о плотном сотрудничестве он даже не думал. Однако парни начали активно общаться, обсуждали звук, и постепенно между ними возник сильный творческий коннект. В январе 2025 года они приняли решение двигаться вместе — так официально родилась группа «Артхауз».
Сразу после старта начались новые испытания. В том же январе 2025 года у Игоря намертво ломается инструмент — китайский стратокастер, купленный в апреле 2023 года. На два с половиной месяца — с января по середину марта — соло-гитарист остался вообще без гитары. Однако дистанционная работа между городами не остановилась ни на день. Лев записывал вокальные дорожки в Чите и пересылал их по интернету. Игорь сидел за своим очень слабым ноутбуком и, преодолевая дикие тормоза железа, упрямо сводил старые демки и монтировал готовый вокал фронтмена. Работа из-за дохлого ноута шла тяжело, но процесс двигался.
Долгожданный прорыв случился в марте 2025 года. Игорь наконец-то приобретает японскую электрогитару Fernandes FST-55, а к ней в пару берёт мощный гитарный процессор BOSS ME-70. До этого весь его звуковой арсенал состоял всего из двух педалей BOSS — овердрайва OD-2 и дилея DD-3. Почувствовав настоящее взрослое железо, Игорь садится за работу и начисто, с нуля перезаписывает абсолютно весь гитарный материал для грядущего релиза в сочном, жирном и плотном качестве.
Музыканты набрали бешеный темп и планировали выпустить свой первый полноформатный лонгплей осенью 2025 года. Но в сентябре 2025 года Игорь Стрижак ломает палец на руке. Ему накладывают гипс, в котором он вынужден ходить до середины октября. Вся живая работа над гитарными партиями была полностью парализована почти на полтора месяца. Из-за этой внезапной травмы, а также из-за постоянной борьбы со слабым ноутбуком, все сроки полетели к чертям, и осенний релиз пришлось перенести.
В итоге, пройдя через поломки инструментов, отказы, травмы, слабые процессоры компьютеров и жесткое сибирское расстояние, группа «Артхауз» дожала этот марафон. Их выстраданный дебютный рок-альбом под названием «Дело всей жизни» официально вышел в свет 12 декабря 2025 года. Первое время после релиза Лев жил с абсолютно чётким, чистым юношеским ощущением: «Да, мы богаты, теперь я звезда!». Это был незабываемый период первого триумфа и искреннего куража.
Парни постепенно расширяют своё цифровое присутствие: помимо развивающегося YouTube-канала, у «Артхауза» есть своё сообщество ВКонтакте, Telegram-канал и официальная страница артистов на Яндекс Музыке. Линии жизни проекта отчётливо видны тут и там, группа продолжает существовать на чистой идее и преданности своему звуку, а всё, что будет происходить с коллективом дальше, станет уже совершенно новой главой их личной музыкальной книги.
Erja Lyytinen (родилась 7 июля 1976 года в Куопио, Финляндия) — финская вокалистка, гитаристка и автор песен.
Erja Lyytinen начала играть на гитаре в 15 лет. Примерно в то же время она начала писать собственные песни. В старших классах она выступала в различных проектах, одним из которых была группа Brothers & Sisters в стиле соул, в которой она была вокалисткой. В то время на неё сильно повлияли такие исполнители, как Арета Франклин и Рэй Чарльз. Позже она открыла для себя музыку Коко Тейлор и упоминает, что одной из её любимых песен Тейлор была композиция «I’m A Woman» из альбома The Earthshaker. Она также упоминает Бонни Райтт, как человека, оказавшего на неё большое влияние.
В 1997 году Lyytinen провела год в Швеции, обучаясь в Malmö Musikhögskolan по обмену. Она вернулась в Финляндию, чтобы изучать музыкальное образование в Академии Сибелиуса. В то время она была первой женщиной, изучавшей электрогитару в качестве основного предмета в этом учебном заведении.
Первый альбом Лийтинен был выпущен в 2002 году с группой «Dave’s Special». Песни на альбоме в основном были танцевальными и представляли собой свинг-блюз, и по большей части их написала сама Лийтинен.
На протяжении своей карьеры Лийтинен выступала на разогреве у Роберта Планта, группы Focus и Тома Джонса, а также играла с Джо Бонамассой, Дженнифер Баттен, Сонни Лэндретом и Карлосом Сантаной и другими.
Долгожданный новый студийный альбом Erja Lyytinen «Smell the Roses» продолжает демонстрировать музыкальную эволюцию королевы слайд-гитары. Музыкальный стиль альбома склоняется к рок-музыке 60-х и 70-х годов с ее длинными гитарными соло и темами, создающими напряжение. «Smell the Roses» тяжелее предыдущих альбомов Лийтинен, но по-прежнему дарит воодушевляющие впечатления.
Этот бас я достал из дальнего угла гитарохранилища ради простой галочки: он есть в коллекции — значит, про него надо рассказать. Инструмент, прямо скажем, не из тех, вокруг которых у собирателя загораются глаза не всегда здоровым огоньком. Fernandes FRB-42 — вещь распространённая, рабочая, без претензии на редкость И уж точно не советский и не социалистический, как основная часть моей коллекции. Поэтому подробных разборов про него в сети почти нет. О таком обычно никто не пишет, потому что и сказать-то особо нечего. Как в анекдоте — что тут думать, тут прыгать надо.
Общий вид
Начать придётся с фирмы, потому что без неё бас повисает в воздухе. Компания японская. Её предшественник, «Сайто Гакки» (斉藤楽器), был основан 25 февраля 1969 года, и поначалу это была вообще не про электрогитары история — торговали классикой, фламенко-гитарами, акустикой. Скучноватая музыкальная розница, ничего больше. В октябре 1972-го контору переименовали в Fernandes и тогда же всерьёз взялись за электрику.
Дальше — по накатанной для японца семидесятых дорожке они занялись изготовлением копий. Фендеровские модели шли под маркой Fernandes, гибсоновские — под отдельным брендом Burny. И вот Burny, к слову, у нас на постсоветских просторах знают и любят: их Les Paul’ы — штука вполне приличная, иные коллекционеры за ними гоняются отдельно. Сама же Fernandes собственного завода поначалу не имела. Инструменты ей строили по заказу чужие мощности — Kawai, Tokai, Matsumoku, Suzuki Violin и прочие OEM-цеха, кто на тот момент был свободен. Это вообще нормальная японская схема тех лет. Бренд придумывает и продаёт, а пилит кто-то третий.
Видео-рассказ про гостя на ру-трубе.
Потом пошли и собственные разработки. Самое знаменитое изобретение фирмы — Sustainer, встроенная в гитару электромагнитная система, которая бесконечно тянет ноту без всякого смычка и педалей (на рынке с 1992 года, ей пользовались Стив Вэй, Пол Гилберт, Ривз Гэбрелс у Боуи — компания, как видите, не из последних).
Ещё был ZO-3 1990 года — гитара со встроенным динамиком в виде слонёнка, разошедшаяся, если верить японцам, тиражом за 350 тысяч «голов» (у меня в коллекции есть, как-нибудь и про него расскажу).
Вид сзади
К нашему басу всё это отношения не имеет ровным счётом никакого, но фирму характеризует. Люди умели не только копировать Fender.
Финал у истории невесёлый. Оборот в сорок с лишним миллиардов иен в конце девяностых к двадцатым годам усох до жалких ста с небольшим миллионов, летом 2024-го Fernandes остановила деятельность, а 9 июля 2025-го токийский суд официально открыл процедуру банкротства — с долгами под 730 миллионов иен. Так что бас в коллекции теперь, получается, от покойника.
FRB — собственная серия Fernandes конца восьмидесятых — девяностых, уже не копия в лоб, а своя компоновка. Линейка средняя по цене. Тут сразу оговорка, без которой никак: бюджетная — она бюджетная по японским меркам. Это не тот бюджет, что в нулевые гнали в Россию вагонами по пять-шесть тысяч рублей за штуку. Это «доступно для японца» — а планка у них другая, и руки у сборщиков растут откуда надо. Рабочая лошадка, что называется. Чего-то сверхъестественного от неё ждать глупо — да и кто его, сверхъестественного, от рабочей лошадки ждёт.
Вся серия — короткомензурная, точнее средней мензуры (по каталогу — 813 мм, это 32 дюйма), с уменьшенным шагом струн, чтобы гитаристу, взявшему бас в руки, было не так страшно. У буквы в индексе своя логика: FRB-40 шёл в раскладке P/J (один «пресижновый» сплит плюс один «джаз-басовый» сингл).
Корпус
Корпус — липа. Для любителей теории тембровой древесины и прочего тонвуда отдельно отмечу: липа по-английски basswood, «басовое дерево», так что сделать бас из басового дерева — ход, можно сказать, идеологически безупречный. Но то идеологически. На слух…. Обойдемся без холиваров.
Сверху на липу наклеена красота: то ли тонкий шпон волнистого клёна, то ли — что вероятнее — обычная фотоплёнка с напечатанным узором под лаком. В разных описаниях по-разному, и на конкретном экземпляре однозначно сказать трудно; в любом случае это декорация, а не настоящий топ.
Корпус сзади
Задняя сторона просто закрашена чёрным. Без затей.
Гриф кленовый, прикручен к корпусу на четырёх саморезах через втулки. Накладка — из какого-то красного дерева; не палисандр, что-то иное, «краснуха» на вид, но точно породу назвать не возьмусь, не дендролог.
Гриф и накладка
Голова грифа наклона к корпусу не имеет: это единый цельный кусок клёна, без склеек, проще некуда. Чтобы крайние струны всё-таки прижимались к нижнему порожку, на голове стоит ретейнер на двух саморезах. Колки — с приличным передаточным числом, ничего убогого, всё крутится и держит. Четыре штуки, в ряд.
Голова и ритейнер
Анкер выведен не в голову грифа, как у девяти инструментов из десяти, а в пятку. Снизу, под шестигранник: в пятке пропилен паз, вставляешь ключ — и крутишь, не снимая струн, не отвинчивая никаких залипушек между колками, не воюя с натянутыми струнами, которые вечно лезут под ключ. Решение, которое автор этих строк уважает почти до нежности — на советских гитарах его, к слову, встречаешь сплошь и рядом, и почему оно так и не стало мировым стандартом, остаётся загадкой. Идеал — это, конечно, регулировка прямо в торце пятки под вороток, но и так уже до неприличия удобно.
Доступ к регулировке анкера
Ладов на этом экземпляре — 24, со следами износа, но играть можно спокойно.
Высота струн над 12-м ладом
На этом экземпляре — честная джазовая конфигурация: два сингла джаз-басового типа JB-482 и три ручки, громкость на каждый датчик плюс общий тон. Что, собственно, ровно то, чего ждёшь от инструмента с подписью «Jazz Bass». Никакой загадки в коммутации — всё как у людей.
Общий вид с другого ракурса
Бридж — гнутый металлический уголок с подпружиненными сёдлами-бочонками. шестигранником поднимаешь-опускаешь, выставляешь высоту каждой струны. Конструкция, которую любой видел тысячу раз, если не больше, и придумать тут к ней нечего — всё гениальное просто.
Бридж
Сзади — пластиковая крышка, прикрывающая темброблок. Штатные антабки-пуговицы — из той породы, что автор не любит. Форма «треуголочкой», с которой ремень слетает только так. Лечится резиновыми шайбочками, но осадочек остается.
По состоянию конкретно этого экземпляра— ничего драматичного. Из реставрационного по нему числится разве что чистка да полировка; гриф не повело, строится низко, балансирует на ремне ровно, играть им не в тягость. Достаточно частая история, когда «джанк» из объявления оказывается полностью живым инструментом, японцы, разбирая такие на запчасти, иногда сами не понимают, что отдают рабочую вещь за копейки.
Оценивать звук я принципиально не берусь: уши у каждого свои, а «хорошо звучит» — не довод, а вкусовщина. Скажу лишь сухим протоколом: два пассивных джазовых сингла, пассивный темброблок, средняя мензура. Что из этого извлекать — дело уже не баса, а рук.
В сухом остатке — обычный японский рабочий бас, каких выпустили тьму и про какие никто не слагает легенд.
GuitarVirtuoso крепится на инструмент и дает возможность играть 9 универсальных аккордов простым нажатием кнопки. Создатели обещают, что девайс позволит вам сыграть 90% существующих песен.
Все топы неправильные, без слез невозможно читать. Я слушаю метлу 20 лет, я точно знаю как правильно. Начнем нестандартно, с первого места:
1.St.Anger
Уникальный альбом. Такого никто больше не делал. Самый эмоциональный, самый нестандартный, самый не такой и время все расставило по местам. Его ругали за звук, за текст, за продолжительность, за отстутствие соло, но... все что тебе нужно, что бы проникнуться этой музыкой - пересать мыслить ограниченными шаблонами и отдаться этому альбому таким какой он есть.
Я слушал много переделанных, пересведенных и перезаписанных фанатами вариаций, но все они превращают этот уникальный альбом в обычный дженерик метал-проходняк.
Если вы думаете, что Боб Рок, сделавший блек албум с ловыдом и реловыдом не знал какие ручки крутить, о, я вас уверяю, он знал, и нарулил бешеную тягучую атмосферу эмоциональной злости и гнева в тусклом подвале. Во всех переделках этот вайб исчезает превращая альбом в сто раз пережеванную унылую жвачку. То же касатеся и соло - они там объективно не нужны, поэтому их там и нет.
Уникальное произведение, такого больше нет.
1.Load и Reload
Не вижу особого смысла делить эти альбомы, по сути он один, и он делит со стангером первое место. Такой же бриллиант с плотной атмосферой, бесконечно прекрасными как боевиками типа Фуела и вестинг май хэйт, так и тягучими, уволкаивающимя тебя в транс Фиксер, аутлау торн, прекрасным блидинг ми, ультра качовый девилс дэнс. Я могу каждую перечислить и каждая отзовется теплом в сердце. (Особенно кекнул с лоу мэнс лирик, когда представил как у закостенеллого фанатья в этот момент разрывается пердачелло на мелкие кусочки, а песня прекрасная)
1.Kill em All
В моем лично хит параде стоит на первом месте, как великолепный образчик безудержного, очень веселого спид-метала. Его очень фаново слушать и весело играть, но тексты полное говно, Хэтфилд еще не знал что писать, и строчил дженерик хуету про "МИТОЛ ЭТО КРУТААААА", "Я ДРОЧУ НА МОТОЦИКЛЫ" и "СОТОНА СОТОНА", но в концепции альбома смотрится хорошо.
Он, кстати, и музыкально отличается от остальных альбомов, металликовский скелет их песен только проростал в свежем эмбрионе не зная кем он будет, мегадетом или металликой, но от этого и ценнее его слушать сейчас.
1.Ride the Lightning, Master of Puppets, ...And Justice for All
1/3
Все эти альбомы - столпы треш-метала, база, основа, фундамент. Они все достойны первого места. У каждого альбома своя тема, свой звук, своя атмосфера, не вижу смысла тут что-то расписывать, давайте я вам еще азбуку перескажу, буквы из алфавита продиктую.
Из личного могу сказать, что не могу слушать райд зе лайтнинг целиком, но по отдельности каждая песня шедевр, а после альбома энд джастис фор алл, мне кажется, Хэтфилд решил что он треш-метал прошел до конца и делать тут больше нечего. И если честно, так оно есть - это апогей, пик рифостроения: сложные размеры, сложные рифы, быстрый темп и всё это в балансе, не превращается в кашу. Всегда можно навернуть еще нулей, еще больше ебануться, еще странне размеры. Можно, а зачем? Почему после этого альбома они ушли в блек альбум прекрасно понимаю.
Так же слушал джастис с басом в разных вариациях и опять не то, не знаю, специально они это сделали, задумано так, или действительно забулили джейсона (по всем интервью, кстати, он рассказывал, как к нему подбегали с горящими глазами фанаты с фанатским же ремастером и с криком "смотри, мы отомстили за тебя, справедливость восстановлена" сували его в руки артисту, на что он каждый раз неловко улыбался и говорил "спасибо, конечно, а что, была проблема какая то?"), но этот сухой звук с низкими частотами только от палмьюта и бочки так круто работает на атмосферу, что мне остается только развести руками и признать - это не баг, а фича.
Безусловное первое место и по следу в истории, и материалу и по продакшену. Бесконечно крутой плотный звук, единственное в некоторых наушниках барабаны у Улреха слишком вперед выезжают и стучат мне прям в мозжечок.
Даже не знаю, что тут про него рассказать - тупо икона.
1. Garage inc.
Балдежный, жирный, сочный сборник каверов. Слушать - одно удовольствие. Как такое не поставить на первое место?
1. Death Magnetic, Hardwired… to Self-Destruct, 72 seasons
1/3
Для меня это альбомы нового времени, отдельная эпоха. Не только возврат к истокам самой группы, но и те альбомы, которые выходили уже при сознательном мне. Дез Магнетег больше в треш-метал, Харвайрд вспоминает и про эру ловыда, 72 сезона переосмысляет уже и килемалл. У каждого альбома есть свои уникальные песни, есть эксперименты, есть старое доброе ебошилово. Хало он фаер, Спит аут зе бон, алл найтмаре лонг, брокен бит скарред, мэнанкайнд, рум оф миррорс, ту фар гон, лук атерна, зет воз жаст йор лайф и т.д. табуны мурашек бегали по моей коже.
Группа прошла долгий путь, много попробовала за свою историю и в этих альбомах объединила весь свой опыт прошлого. Особенно в 72 сезонах у меня стойкое ощущение, что хэтфилд с ульрихом писали песни что бы их было весело играть на концерте, что бы им самим было интересно.
Больше всего мне в Металлике нравится то, какая она разная, но при этом такая одинаковая, ты ее всегда узнаешь, в каком бы временном отрезке не был записан альбом: не боялись мужики идти поперек, перешагивая выставленные фанатами рамки, делали всегда что хотели, но делали хорошо.
Есть мнение, что металлика чисто изза комерции меняла направления своей музыки. Более попсовые начало 90х и блек альбум, популярность гранжа и ловыд-реловыд, мазафака и штангер, камбек-шторм и дез магнетик. Но все эти альбомы - они все равно металлика и они отдельно от этих эпох. Да, штангер похож на мазафаку, но только на первый взгляд, достаточно послушать топов тех лет и услышать что общего там примерно нихуя, точно так же у ловыда реловыда нет ничего общего с курткой бейна и фу файтерс, а дез магнетек не пытается переписать мастер оф пуппетс с новым звуком и словами. Я думаю все модные течения музыки тех лет были скорее вдохновением, способом Металлике взглянуть по другому на свою музыку и сделать что-то свое. Да и какая коммерция? Отличный бизнесплан - насрать за шиворот целевой аудитории
Но я предвзят. Каждый раз, когда Хэтфилд делает Йееэээ, хеллйэээ, хуууууй, Хаммит срет пентатоникой, ларс не напрягается с партиями а роб ходит крабиком - я теку, как девчонка.
Мем из прошлого, сейчас так не модно
Но! Альбома Lulu никогда не существовало. На солнце тоже есть пятная, если шо
"Группа крови" была придумана и написана Цоем примерно 40 лет назад. По словам Каспаряна, Виктор "принёс" её практически готовой.
Впервые Виктор Цой спел "Группу крови" на V фестивале Ленинградского рок-клуба в 1987-м году. Говорят, что тогда эта песня мало кого впечатлила. Кто же знал, что эта "монотонная" и слишком "маршевая" песня станет одним из главных хитом отечественного рока?
Героический период группы "Кино" мне ближе, и "Группу крови", наверное, я слушаю чаще всего, причём уже в разных её вариантах звучания. Я выделил для себя топ-5 вариантов звучания хита "Кино", и решил поделиться этим. Начинаю с конца рейтинга:
1. "Blood type" - самая экзотическая версия "Группы крови"
Песня была записана в 1989 году, разумеется, по инициативе Джоанны Стингрей, которая продвигала андеграундный рок в Америке. Ничего не имею против английского языка, но из-за того, что мне нравится оригинал, английская "Blood type" мне чужда.
Возможно я уже привык к оригиналу, но эта не та версия, которую хочется включить и просто послушать. Но она имеет место быть, конечно.
2. Саундтрек к фильму "Игла" - ретро-версия не для всех
Данную версию, на самом деле, я одно время, слушал постоянно. Хотя она не сразу появилась у меня в плейлисте. И даже фильм "Игла", в финальной сцене которого она весьма уместно звучит, здесь не причём. Мне просто откликается само звучание - "киношное".
Эти спецэффекты во вступлении, качество записи вокала. Кстати, на момент записи данной версии "Группы крови" у Цоя ещё не успел сесть голос, как мне кажется. Поэтому она кажется для меня особенной.
3. Современная концертная версия "Группы крови" - мощь и новая жизнь
Ну как не отметить, что после воссоединения "Кино", песни стали звучать по-особенному. Не скажу, что лучше. Всё-таки у оригинала своя аутентичность, которую не затмишь.
На концерте я был, мягко говоря, впечатлён масштабом самой песни, плюс ещё визуальная часть... То самое, резкое, мощное вступление, звучащее на современных усилителях, ударных. Песня стала яркой также за счёт более заметных басов. И вокал обработан очень аккуратно. У меня в плейлисте эта версия навсегда - совершенно точно. Но всем желаю услышать "Группу крови" вживую.
4. Оригинал из альбома "Группа крови" - классика есть классика
Если я вдруг хочу послушать "Кино" - первый трек будет эта версия из одноимённого альбома.
Окончательный вид песня обрела на студии у Алексея Вишни. В песню добавили те самые спецэффекты во вступление, которые напоминают звук пролетающих истребителей. Лично мне эта версия "Группы крови" нравится, в том числе, и из-за этого. Она самая "ламповая", и она ассоциируется с чем-то масштабными.
Однозначно, если вам повезло дать кому-то послушать "Кино" первый раз, это должна быть оригинальная "Группа крови".
5. "Группа крови" из альбома "Последний герой" - самый главный трек в моём плейлисте
Эта и предыдущая версии равноценны для меня. Но если оригинальная "Группа крови" более атмосферная и с неё должно начинаться знакомство с "Кино", то версия из "Последнего героя" более ровная, чистая, качественно записанная.
Насчёт качества, это факт. Альбом "Последний герой" записывался на профессиональной студии и планировался продвигаться за границей. Поэтому в альбоме, по сути, песни из концертной программы группы.
Эту версию я слушаю чаще всего. И в наушниках, и через колонку (если хочу погромче). В ней нет экспериментальных спецэффектов и каких-то характерных моментов, которые с чем-то ассоциируются. Только музыка, слова и смыслы. Вот, пока печатаю, захотелось её поставить...
Сейчас песня по версии "Нашего радио" занимает первое место в списке "100 лучших песен русского рока в XX веке", а культовый американский журнал "Roling Stone" включил "Группу крови" в число важнейших русскоязычных песен, которые оказали большое влияние на общество и культуру страны.
Конечно, это всё одна песня. Один смысл и настроение. Глобально, не имеет значения сколько у песен версий. Она - одна.
Цель статьи была сформулировать для себя и поделиться мыслями и наблюдениями, а также получить обратную связь от тех, кому откликается данная тема.
Песня "Кукушка", безусловно, достойна отдельной статьи. Даже сейчас её можно услышать и на радио, и на ютубе у разных блогеров, и в проезжающей мимо тебя машине... Песня не просто стала популярна на несколько лет, а продолжает находить отклик молодых людей даже в 2026 году.
Сегодня в статье я расскажу вам как Виктор Цой написал одну из узнаваемых своих песен, действительно ли "Кукушка" последняя песня лидера "Кино" перед гибелью и затронем новую версию, которая, по моему мнению, тоже имеет право на жизнь. Приятного прочтения!
"Очень лично, очень глубоко ушёл в запись песни": как Цой написал "Кукушку"
Сохранился набросок текста с одним четверостишием, который был написан примерно в одно время с текстом песни "Красно-жёлтые дни", в конце 1989 - в начале 1990 года.
Судя по воспоминаниям участников группы, Виктор Цой долго работал над текстом и всё время возвращался к нему. Он так всегда делал: перед тем, как показать новую песню Каспаряну, Тихомирову и Гурьянову, он сначала мог её много раз проигрывать на гитаре, редактировать слова... Если остальным участниками "Кино" песня не очень нравилась, Цой не особо настаивал, но при случае, просил послушать ещё раз.
Интересно, что даже близкие люди Цоя были удивлены тем, какой в итоге получилась "Кукушка". По воспоминаниям музыкантов, песня заметно изменилась по сравнению с ранними набросками и приобрела более глубокое звучание.
Каспарян, в одном из документальных фильмов о Цое "Цой-Кино" (2012), вспоминал :
"Я приехал с какой-то прогулки, говорю: "Как дела, где Витя?". Наташа говорит, что он там... Очень лично, очень глубоко ушёл в запись песни. Этот сарайчик, в котором мы записывали, прям вокруг него такое ощущение концентрации сознания было. Это вот я запомнил, это отпечаталось в голове... В песнях "Чёрного альбома" тема прощания очень чётко звучит... И во время записи всё это очень сильно эмоционально воздействовало."
Уже при подготовки "Чёрного альбома" песня был перезаписана и аранжирована остальными участниками "Кино".
Сегодня можно послушать несколько версий песни Цоя - "Кукушка". Например, демоверсия, которая была записана в Латвии. Она вошла в сборник "Последние записи", выпущенный лейблом "Moroz Records" в 2002 году. Также существует первый вариант песни, который звучал в конце документального фильма памяти Виктора Цоя "Человек в чёрном" (1990).
О версии "Кукушки" в исполнении Полины Гагариной подробно поговорим в конце статьи.
Сарай, в котором Цой глубоко погружался в написание песни "Кукушка". Из архива В. Калгина
"Кукушка" - последняя песня Виктора Цоя?
На самом деле, тема интересующая многих ценителей творчества Цоя. Многие думают, что, действительно, "Кукушка" является последней законченной песней рок-легенды. Но, биограф Виктора Цоя - Виталий Калгин, приводит интересный аргумент в книге "Виктор Цой. Последний год", где пишет, что последним текстом в блокноте Виктора является небольшая зарисовка. И эта довольно мистическая зарисовка, по словам автора, является переработкой текста, датируемого 1989-м годом, стоит особняком от остальных и отделена от них страницей с автографами. Исходя из этого, можно решить, что эта зарисовка - последняя песня Виктора Цоя. Но как есть на самом деле, пока утверждать никто не может.
"Сделать свой шаг, сделать свой ход -
Мне для этих строк не нужен письменный стол.
Где-то есть друг, где-то есть враг,
Возраст, цвет кожи, вера и пол.
От секунд к минутам, от минут к часам
Странные встречи слова и сны.
И я думаю о тех, кто закрыт на засов,
Кто едва ли дождётся прихода весны".
Так что, отвечая на вопрос о последней песне можно сказать, что "Кукушка" лишь одна из последних работ лидера "Кино", созданных незадолго до автокатастрофы 15 августа.
Что для меня значит эта песня Виктора Цоя
Не только я, но и многие другие, любят "Кукушку", за возможность толковать её по-своему.
Для меня в этой песне нет конкретного сюжета, но есть вопросы, которые я сам себе иногда задаю. Например, вопрос о выборе между спокойной, размеренной жизнью и стремлением к чему-то большему... Слова "солнце", "порох", "кулак" меня наталкивают на такие мысли...
Сам Цой, как известно, не любил объяснять свои песни. Говорил, что объяснять песню, то же самое, что объяснять анекдот - не интересно.
Я свою трактовку никому не навязываю. Это лично моя версия.
Новая жизнь песни спустя 25 лет
Пока готовился к статье, понял, что фильм "Битва за Севастополь" вышел аж в 2015 году. Именно там звучит песня "Кукушка" в исполнении певицы Полины Гагариной. Фильм, кстати, интересный. Посвящённый легендарной женщине, героине Советского союза, Людмиле Павличенко.
Правообладателем оригинального произведения является единственный сын Виктора Цоя - Александр. Им были переданы права на использование текста песни создателям фильма "Битва за Севастополь". Всё было сделано законным образом. Насколько известно, Александр Цой претензий к исполнению песни отца никогда не имел.
Над аранжировкой данной версии "Кукушки" работал Константин Меладзе, который сохранил философскую основу песни, но придал ей совершенно иное звучание. Если в оригинале была некая внутренняя сосредоточенность, то в версии Гагариной появились драматизм, динамика, масштаб и, я бы сказал, кинематографическая мощь.
Кавер, само собой, довольно быстро стал популярным и понравился слушателям молодого поколения, которое ранее о Викторе Цое и группе "Кино" мало что знали.
Чем больше я погружался в историю создания песни "Кукушки", тем понятнее становилась причина популярности данной песни. Первое - это то, что люди гадают над смыслом песни ровно столько, сколько она существует. Второе - количество кавер-версий и исполнителей.
Виктор Цой в столь молодом возрасте умел задеть в своих песня очень важные жизненные моменты. Не важно какого ты возраста, тебе интересно вслушиваться в каждый куплет, мотив и ставить себя на место автора.
Возможно, кто-то скажет, что Цой знал больше, чем другие... На самом деле он просто был талантливым и начитанным человеком. Вот и всё.
